Una vez más, el cine español convoca a los medios a una presentación multitudinaria… a ambos lados de la mesa. Porque esta mañana, ante un número considerable de compañeros de la prensa, Fernando Colomo ha presentado su última propuesta, “Rivales”, que se estrena este viernes. Le han acompañado los productores Luis de Val y Beatriz de la Gándara, así como una nutrida representación del reparto: Javier Cifrián, Juan Navarro, Goya Toledo, Kira Miró, Rosa María Sardà, María Pujalte, Ernesto Alterio y Gonzalo de Castro. Presentada por el director como «una película sobre fútbol para gente a la que no le gusta el fútbol», el film se sirve del deporte rey como una excusa para destapar frustraciones ocultas. «Desde luego, esto es indudable —ha comentado Colomo—. Los domingos la gente se desahoga de todo lo que acumula a lo largo de la semana. Lo que yo no podía imaginar es que íbamos a estrenar en este contexto de la Eurocopa, estoy desbordado. A mí me gusta el hockey sobre hierba, es mi lado catalán, así que imaginaos… ». El origen del proyecto se encuentra en el productor de la cinta, Luis de Val, que tenía en mente una idea para reflejar las eternas rivalidades entre Madrid y Barcelona; posteriormente, Joaquín Oristrell aportó un elemento personal, ya que tiene un hijo que practica este deporte y se empapa del ambiente que rodea a la celebración de los encuentros.

En el fondo —o no tanto— de la trama se encuentra esa idea tan cotidiana de que hay que ser el mejor, el número uno, para sentirnos realizados. «Vivimos en una sociedad muy competitiva —ha expuesto el realizador— y extremadamente consumista, en la que los chavales quieren la ropa de tal marca, esta o aquella videoconsola. Estamos absolutamente mediatizados, dominados por la idea de que perder significa mucho más de lo que en realidad es: si no ganas, estás acabado. Yo creo que no ha de ser así, y que muchas veces lo único que buscan los padres es superar sus propias frustraciones a través de sus hijos». Se trata de un casting muy amplio, «en el que los personajes están planteados a partir de los actores», ha explicado De Val; en este sentido, es curioso el hecho de que los roles catalanes y madrileños están interpretados por autóctonos de cada comunidad, a excepción del barcelonés Juanjo Puigcorbé, que interpreta a un vecino de Madrid. Rosa María Sardà ha confesado que «creo que soy una de las pocas actrices a las que aún les acompaña el epíteto “catalana”, así que tenía todas las papeletas. Y, al igual que a mi personaje, no me gusta el fútbol, es otra ventaja. Lo que sí quiero dejar claro es que en nuestra profesión no existen rivalidades territoriales, estamos todos mezclados y unidos, vamos todos a una».

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Por si no hiciese ya suficiente calor, esta mañana la temperatura ha subido aún más en Madrid durante la presentación del Festival Internacional de Cine Erótico de Barcelona (FICEB), que tras quince años de vida en la Ciudad Condal se traslada a la capital los próximos días 26, 27 y 28. En rueda de prensa han comparecido ante los medios Juli Simón (director del certamen), Sonia Baby y Max Cortés (portavoces), Joan Crisol (fotógrafo), Antonio Marcos (presidente de APEGOA, asociación que agrupa a las principales distribuidoras y productoras del sector), Jorge Muñoz (director de 3G Sex, patrocinador del Festival) y el cineasta Pepe Catman. Un nutrido grupo de asistentes, como puede verse, en representación de todos los que han conseguido «que FICEB tenga una proyección internacional ─en palabras de Simón─. Comenzamos como algo amateur, éramos la primera convocatoria de estas características que existía en el mundo, y hoy una enorme cantidad de ciudades tienen su propio evento. Hemos tenido que pelear mucho, desde luego, y nunca hemos recibido ayudas, de ahí que desarrollemos una gran cantidad de actividades paralelas». En la actualidad, la industria del porno nacional se encuentra en buena posición a nivel europeo, tan sólo por detrás de Alemania, Francia e Italia, y en cierta medida se debe al impulso de este Festival, del que han surgido muchos de los nombres relevantes del cine para adultos español; de hecho, en parte es ese crecimiento el que ha motivado el traslado de la convocatoria. Según el propio director, «por un lado finalizamos el contrato, pero por otro se trata de una evolución lógica, ya que gran número de productoras y centros de toma de decisiones se encuentran aquí. Es el mejor lugar para plasmar todas las áreas del sector y dividirnos en zonas temáticas».

A continuación, los asistentes han explicado cuáles serían sus funciones dentro de esta tremenda maquinaria que inundará la Sala Fabrik durante el próximo fin de semana. El reputado actor y realizador Max Cortés es uno de los portavoces del Festival, junto con la actriz Sonia Baby. Medio en broma, medio en serio, ha apuntado que «es curioso, porque uno de los motivos que me atrajeron del porno es que me aseguraron que no había muchos diálogos. Y ahora miradme, haciendo de voz cantante. Pero es todo un honor». Tras un somero repaso a lo que serán las más que variadas actividades y actos que se llevarán a cabo ─en total se superarán los seiscientos shows entre todos los escenarios, con porno en vivo, espectáculos eróticos, conciertos, debates, espacios para tatuajes y graffitis, y un amplio etcétera a vuestra disposición en la web oficial─, ha tenido unas palabras para los incondicionales del fútbol ─no olvidemos que cine y deporte rey tienen una relación propia─, a los que ha asegurado que «vamos a tener una animación muy especial el jueves ─día que España se enfrenta a Rusia en el marco de la Eurocopa─, con pantallas gigantes para seguir el encuentro, para que nadie se lo pierda. El que quiera balones y pelotas, las va a tener, os lo aseguro». Su compañera en la portavocía ha garantizado que su exhibición «es más fuerte en esta ocasión, y voy a tratar de batir un récord que no puedo explicar, tenéis que verlo». Os anticipamos, eso sí, que tiene que ver con su apodo ─“la acróbata vaginal”─ y con cien metros de banderas. También ha querido reseñar que «FICEB no es sólo un montón de chicos y chicas desnudándose, es mucho más, y busca un acercamiento a la gente, para que vea lo que hacemos y cómo lo hacemos, que comprenda cómo trabajamos y acercarnos al espectador».
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Por fin. Tras pasearse con éxito notorio por los festivales de medio mundo llega a nuestras salas “Los cronocrímenes”, el debut en el largometraje de Nacho Vigalondo que se estrena en el circuito comercial español el próximo viernes 27. Es motivo de celebración, así que hoy el cineasta ha comparecido ante los medios para presentar el film acompañado de su reparto completo: Karra Elejalde, Bárbara Goenaga y Candela Fernández. El cuarto en liza delante de las cámaras es el propio Vigalondo, también responsable del libreto; todo un trabajo de autor, algo, en sus propias palabras, «aparentemente antinatural, pero no lo es. En nuestro país las películas suelen estar dirigidas por las mismas personas que escriben los textos. Personalmente, creo que es un error, porque una industria como tal debería tener una relación más fría entre unos y otros, y unos canales a través de los que fluyan las ideas y los guiones. Pero aquí no es así». Con todo, su primer trabajo alejado de su fructífera labor como cortometrajista ─fue nominado al Oscar® en 2005 por “7:35 de la mañana”─, ha suscitado rápidamente el interés de Hollywood, de suerte que Tom Cruise se encuentra detrás de la realización del remake anglosajón. «La verdad es que nunca le he visto en persona ─ha afirmado─. He estado un par de veces con Steven Zaillian ─uno de los más reputados nombres de la industria americana, responsable de los guiones de “La lista de Schindler”, “Gangs of New York” o “American gangster”─, que es quien ha comprado los derechos. Le interesa sobre todo ese tono de lo que ellos llaman “dramedy” ─unión de “drama” y “comedy”─ y la paradoja que hay detrás de la trama».

Paradojas hay, desde luego, hasta el punto de que el cierre de la historia, aparentemente, deja cosas sin explicar. «Para mí no es una conclusión ambigua ─ha confesado─. Sencillamente, decidí que quería que todo siguiera vivo en la memoria del espectador, es una invitación a que siga jugando con lo que le contamos. Me gusta que provoque preguntas, interrogantes; además, es una herramienta promocional estupenda, ¡id al cine dos o tres veces, es mejor!». Eso sí, el trabajo es arduo, no ha podido negarlo: «rodar es muy duro, en cualquier disciplina. El equipo tiene que sentir que estás al frente del barco, aunque tengas momentos de estrés absoluto has de continuar. Y tienes que improvisar, dejarte llevar por tu instinto, es imposible pretender tener el control de todo». Karra Elejalde ha comentado en este punto que «es cierto que ha sido severo, a ambos lados. Por la parte que me toca, ha sido muy físico, he sufrido mucho en ese sentido. El resultado no lo refleja, de verdad, porque también fue muy accidentado, me rompí una costilla, y estaba mal de la espalda… Estoy muy contento con cómo ha quedado finalmente, pero tengo que lamentarme porque ─entenderéis este comentario cuando veáis el film─ no he cobrado por triplicado».
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Ayer conocimos de primera mano al autor de una novela que ha sido trasladada al cine, y hoy hemos charlado con un director que ha traducido a imágenes un texto. Antonello Grimaldi ha presentado esta mañana en Madrid “Caos calmo”, adaptación de la obra homónima de Sandro Veronesi que llega a nuestras pantallas este viernes. En su país de origen, Italia, ha logrado animar a más de cinco millones de personas a acudir a las salas, y en un futuro se rodarán dos remakes, en Estados Unidos —por supuesto— y en Corea del Sur. Protagoniza la historia Nanni Moretti, en la primera ocasión en la que se pone en las manos de otro cineasta. «El germen de todo se encuentra en el productor Domenico Procacci —ha comentado el realizador—, que compró los derechos del libro. Nanni se ofreció para desempeñar el papel principal, y posteriormente me llamaron a mí. Moretti y yo estudiamos juntos, nos conocemos desde hace veinte años y fue muy fácil rodar con él, por nuestra relación anterior y porque tuvo muy claro desde el principio cuál era su labor en la producción. Además, no quería implicarse tras las cámaras para poder explotar totalmente el rol de Pietro, muy complejo y lleno de matices».

En general, siempre es complicado elegir el camino para convertir las palabras de un texto original en imágenes. En este caso, «lo más difícil se encontraba en el hecho de que dos tercios de la trama se desarrollan en el mismo sitio, el parque en el que él espera a su hija, Claudia (Blu Yoshimi). Para evitar que resultara repetitivo y aburrido, hemos jugado con los planos y el montaje, para que todo fuese lo más distinto posible». En cuanto a la participación del propio Veronesi, ha aclarado que «nos dio la máxima libertad. Una vez sí insistió en reunirse con nosotros, quería ver si habíamos captado el sentido de su obra», significado que para Grimaldi se plasma «en la espera ante la llegada del dolor, y cómo en esa misma espera se encuentra el tránsito para su superación». Por supuesto, el tratamiento fílmico es distinto, «y hemos buscado, más que mostrar esa terrible expectación, exponer a una persona que se detiene a reflexionar sobre la vida y lo que le rodea. Seguramente, a todos nos gustaría reaccionar así: detenernos un minuto y pensar sobre lo que nos ha pasado, meditar sobre esta pérdida terrible». Leer más >>

Esta mañana hemos podido conocer a Dominique Lapierre, que ha comparecido ante la prensa para presentar la adaptación cinematográfica de una de sus obras más conocidas, “Oh, Jerusalén”, co-escrita en 1971 junto al recientemente desaparecido Larry Collins. Simpático, jovial , curioso, y hablando en un más que correcto y divertido castellano, ha iniciado la charla comentando lo especial que es este momento para él. «Tanto para Larry como para mí esto es todo un acontecimiento, porque hemos esperado treinta años para ver esta obra en imágenes. Creo que nuestra gran aportación es la total imparcialidad del texto, y es lo que hemos tratado de preservar a la hora de plantear la película. A lo largo de todo este tiempo hemos hablado con realizadores de la talla de Costa-Gavras o Friedkin, por ejemplo, y hemos conversado mucho con ellos, pero al leer sus guiones siempre teníamos la impresión de que se ponían del lado árabe o el judío. Hasta que por fin en 2002 apareció Elie Chouraqui, que a pesar de ser judío tenía una visión histórica de la cuestión, y estaba muy capacitado para contar el nacimiento del Estado de Israel. Y por fin, el sueño se hizo realidad, y una tarde de 2005 Elie me llamó gritando: ¡estaba hecho! —en este momento ha contagiado a la sala su entusiasmo, ha sido inevitable—. Increíble, porque en ese instante yo estaba en un hospital con Larry, que había sufrido un derrame cerebral y se encontraba en coma. Los doctores me dijeron que era posible que me oyera, así que se lo conté todo, con gran ilusión. Creó que me escuchó, y se llevó ese mensaje en su último viaje».

A pesar de su emoción respecto a este proyecto, la pareja de escritores no firma el guión. «Hemos colaborado en la parte histórica —ha confesado—. Era tarea del director deconstruir la historia y mostrar que no tiene por qué haber problemas en la amistad entre un árabe y un judío». La coincidencia del estreno con la celebración del sexagésimo aniversario de la fundación del Estado de Israel le parece «interesante, porque es una gran oportunidad de llegar a los jóvenes. Hablamos de un conflicto empapado de una dimensión mística y religiosa, ciertamente complejo, porque se trata de una misma tierra prometida a dos pueblos distintos. Pero también es una tierra de milagros, y pienso que en nuestro mundo todo es posible, podemos esperar que los hombres se encuentren para hacer la paz y no la guerra». Curiosamente, es la cuestión religiosa la más relevante, en su opinión, por encima de otras motivaciones tan en boga en nuestros días, tal es el caso del petróleo: «por supuesto, es una mezcla de todo, pero la religión es la base. Ponemos la televisión y los fundamentalistas nos gritan que Dios les ha dado esa tierra, que les pertenece por un derecho divino. Sin duda, es la traba principal para solventar el problema». Una vez más, la neutralidad del texto ha salido a la palestra, afirmando que «estuvimos cinco años en la zona, investigando. Viajé a Irak, al Líbano, a Egipto, para indagar sobre esos hombres que murieron por la ciudad en 1948. El libro se sigue considerando objetivo a día de hoy, pero, y esta es la gran cuestión, ¿qué es la objetividad?».

Después de todo el tiempo que ha tardado en ser trasladado el texto a la gran pantalla, el escritor ha considerado que este es, sin duda, «el momento oportuno, ya que no se conoce mucho acerca de los orígenes de la confrontación, sobre todo entre las generaciones recientes. Lo que importa a la hora de materializar un film basado en un trabajo escrito es lograr transmitir el mensaje que fluye a través de las páginas, qué es lo que quedará en el público cuando salga del cine, diez días después, cincuenta años después. Obviamente, un autor nunca está totalmente satisfecho con la traslación, es imposible que dos personas no tengan ideas distintas. Pero en este caso se han seleccionado cuestiones muy importantes y relevantes. Hay que ser honestos, por encima de todo, y reflejar lo importante». Por último, Lapierre ha cerrado la rueda con una reflexión, inevitablemente pesarosa, sobre el momento actual que vive la zona. «Cada día rezo a Dios para que, verdaderamente, aquella sea una auténtica tierra de milagros y llegue la reconciliación. Sinceramente no creo que yo lo vea en vida, pero espero que mis hijos, o los hijos de mis hijos, lo hagan algún día. No puedo aceptar que no tenga fin. Lamentablemente no soy optimista, al menos de momento. Mentiría si dijera lo contrario». Esperamos que ese testimonio y mensaje de esperanza que ahora llega a nuestra pantallas en forma de largometraje contribuya a una toma de conciencia por parte del público y los implicados…

En las imágenes: Dominique Lapierre, durante el photocall y la rueda de prensa de presentación de “Oh, Jerusalén” © 2008 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.

Tras su excelente acogida en el Festival de Málaga, donde se hizo con las Biznagas de Plata a la Mejor Dirección y Mejor Fotografía, y con su participación en el Festival Internacional de Karlovy Vary el próximo mes de julio ya confirmada, Silvia Munt puede estar satisfecha de su nuevo trabajo detrás de las cámaras, “Pretextos”, que se estrena en toda España este viernes, día 13. Esta mañana ha presentado la película ante la prensa en Madrid, acompañada de buena parte de su reparto (Ramón Madaula, Francesc Garrido, Álvaro Cervantes, Mercè Llorens y Laia Marull) y del productor Quique Camín, que se ha mostrado «muy satisfecho de esta cuarta colaboración con ella. Es nuestra primera película de ficción juntos, y nos hemos sentido muy a gusto». Tras esta introducción a la charla, la realizadora ha tomado la palabra para referirse a lo que sentía en ese instante: «las presentaciones siempre son un momento agónico, pero al tiempo esperado. Al ser mi primer trabajo de ficción he querido meterme las manos dentro de las tripas y sacar fuera cosas que llevo dentro, y mostrar la insatisfacción de esa burguesía acomodada que somos en muchos casos; he intentado retratar la relación entre hombre y mujer, y mostrar cómo es posible que haya gente que no quiere seguir luchando y tirar para adelante. Y siempre con sinceridad, lo que es cuestión compleja. Se ha escrito que este proyecto es para mujeres, y no es así, es para todos. Pero es cierto que cada personaje tiene algo de mí».

La trama se presenta uniendo teatro dentro del cine, ficción dentro de la realidad, mundos unidos y distantes que generan un esquema estructural muy complejo. Munt se ha referido a ello comentando que «el teatro, para mí, explica lo que no entiendes de la vida. Creo que lo que mejor resume toda la película es la famosa expresión “dime que me quieres, aunque sea mentira”. La representación teatral nos expone mejor de qué trata esta obra». Así pues, ante tal sinceridad por parte de la cineasta no se puede evitar pensar que este trabajo cumple para ella, en cierto modo, una función de catarsis en la que se ha sumergido a fondo, ya que también firma el guión junto con Eva Baeza. «Escribir y dirigir no me daba miedo, ya lo había hecho antes. Pero el reparto no lo tenía tan claro, Viena ─el personaje central, al que también presta sus rasgos─ está muy dentro de mí. Lo que he hecho ha sido rodearme de amigos». Desde luego, es indudable que estamos ante un proyecto muy íntimo, pero no sólo para ella: Ramón Madaula, su pareja en la ficción, lo es también en la vida real. «Bueno, es un tema que sopesamos mucho ─ha confesado─. Es indudable que al preparar el libreto partes de algo personal, pero luego los roles se disparan, te metes en tu rol y no hay más problema. Tenemos algún punto de similitud, claro, pero muchos otros no». Leer más >>

Esta mañana nos ha visitado Susan Sarandon, una de las grandes damas de Hollywood, que ha presentado en Madrid “Aritmética emocional”, título que llega a nuestra cartelera mañana viernes. Simpática, amable y portadora de un aura de serenidad realmente agradable, ha comparecido ante un más que considerable número de medios en una charla en la que no han faltado las referencias a la situación política actual en los Estados Unidos. En la película, la estupenda actriz comparte cartel con un elenco capitaneado por titanes del calibre de Max von Sydow y Christopher Plummer; aún así, ha comentado que «no importa la experiencia de quien participe y esté detrás de cada proyecto. Cada producción es una realidad distinta, y siempre hay que buscar la manera de sacar lo mejor de este trabajo. Aquí, concretamente, dependíamos los unos de los otros, porque había diferencias de edad y culturales, y cada uno tiene, lógicamente, una personalidad distinta del resto». De este modo, se ha referido a sus compañeros sin ahorrar halagos, incidiendo en «el trabajo de Christopher, me ha sorprendido muchísimo, tenía una química increíble con Max, que es un hombre imponente y extraordinario. Al que más conocía era a Gabriel Byrne». La historia que presenta el film se basa en la importancia de la memoria, algo a lo que concede gran trascendencia. «Creo que hay que recordar, siempre y cuando sepamos perdonar. Personalmente, me parece que olvido más cosas de las que me gustaría…».

En una carrera tan nutrida como la suya, los asistentes sentían curiosidad por saber cómo elige sus papeles. «En primer lugar, depende de mi familia. Ahora un poco menos, mis hijos son más mayores, pero nunca he querido embarcarme en una producción tras otra, estar alejada de ellos mucho tiempo. Lo que hago es leer el guión, y ver si me toca, si me transmite, y luego hablo con el director, para saber qué quiere contar, aunque muchos, en el fondo, no lo saben», ha bromeado. «El reparto también me parece fundamental, y en este caso huelga decir que es realmente especial. Y claro, tiene que tratarse de una película de la que pueda hablar durante el tiempo que dure la promoción, por supuesto… Hablando en serio, Paolo Barzman me inspiró, estaba muy conectado con el guión, tenía una fuerza increíble que ha sabido transmitir». A la hora de meterse en la piel de su rol, Melanie, no ha considerado necesario documentarse excesivamente sobre el Holocausto. «He leído acerca del tema, por supuesto, supongo que todos lo hemos hecho. Pero esta historia no trata de eso, sino de cómo nos enfrentamos a la pérdida, cómo afrontamos ese dolor, lo asimilamos y seguimos con nuestra vida, sin perder el respeto a la persona fallecida o desaparecida. Melanie abandona a los que la rodean a causa de lo que ella ha pasado».

Susan Sarandon y su marido, Tim Robbins, son, posiblemente, los dos nombres de la industria cinematográfica norteamericana que más muestran su activismo públicamente. Y eso, para su desgracia, tiene un precio en el país de las barras y las estrellas. «Lo peor llegó con la guerra de Irak. Emergió por doquier una especie de ultraderecha mediática dedicada a fomentar el miedo, una herramienta utilizada por el poder. Algunos llegaron incluso a amenazar a mis hijos, fue muy duro —ha confesado, con cierto pesar en su mirada—. La sensación de soledad, de sentirte apartado, es horrible. Se cancelaron actos en los que yo tenía que participar, y estoy segura de que mi teléfono estaba pinchado. Ahora bien, no sé si laboralmente perdí algún trabajo por esta cuestión. En teoría, Hollywood no es político. Aunque quién sabe». Ya metidos en este terreno, ha reconocido que el triunfo de Barak Obama le parece «fantástico, una puerta abierta al cambio», y que la posible opción de la derrotada Hillary Clinton como candidata a la Vicepresidencia le parece «un error. Ella quiere poder, no cambiar las cosas; hay muchísimas mujeres en el Partido Demócrata más capacitadas que ella, con otras motivaciones».

Volviendo a “Aritmética emocional”, la actriz ha asegurado que «ha habido poco margen para la improvisación, todos los papeles estaban muy bien planificados y representados en el guión. Ha sido muy satisfactorio; además, Paolo es un realizador que te arropa, te hace sentirte muy protegido, y el equipo francófono es realmente excepcional, muy profesional y cercano. El único problema ha sido meteorológico, porque durante las dos primeras semanas hizo muy buen tiempo, pero luego empezó a llover sin parar, y hubo que tomar decisiones con rapidez, trasladar tomas de exteriores a interior, y cosas por el estilo. Un rodaje muy embarrado, sin duda». Algunos de los presentes estaban sorprendidos por el hecho de que el personaje de Sarandon es una mujer deprimida en un entorno que no invita a ello, viviendo en una hermosa casa de campo y rodeada de aquellos que más la quieren; a este respecto, ha sostenido que «todos pasamos por eso, todos nos deprimimos alguna vez. Y es difícil convivir con una persona tanto tiempo. Yo llevo con Tim veinte años, y tienes que esforzarte por no caer en una rutina que deriva en apatía. ¡Hay que pelear!». Cinco nominaciones al Oscar® —que ganó por su soberbia interpretación en “Pena de muerte” (1995), en la que se puso a las órdenes de su marido— y siete a los Globos de Oro encabezan la considerable lista de reconocimientos de una de las más respetadas actrices de las últimas décadas, a pesar de que «nunca he estudiado interpretación ni arte dramático. Me baso en mi intuición y, si tengo que defenderla, uso mi intelecto. Se me da muy bien escuchar, creo que eso ayuda; y la imaginación es fundamental, en el trabajo y en la vida».

En las imágenes: Arriba a la izquierda, cartel de “Aritmética emocional” © 2008 Golem. Todos los derechos reservados. En el resto, Susan Sarandon durante el photocall y la rueda de prensa © 2008 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.

Esta mañana se ha presentado en Madrid uno de los grandes estrenos de la temporada estival, la nueva propuesta de M. Night Shyamalan, que ha comparecido ante los medios para anticipar la llegada a las salas de “El incidente”, cuyo desembarco está previsto el próximo 13 de junio. Para el acto se ha acompañado de su actor principal, Mark Wahlberg, en una charla en la que ambos se han mostrado simpáticos y afables ante los numerosos compañeros acreditados. El director ha abierto la rueda confesando que sus películas «reflejan elementos de mi personalidad, ya desde “El sexto sentido” —título de 1999 que le dio a conocer en el panorama internacional—. Muestran cómo he vivido y crecido, me gusta recordar mi infancia, y la idea de que el mundo no era tan mágico como yo creía. La oscuridad me ayuda a retratar el concepto de que la inocencia está constantemente amenazada»; así, el misterio es para él «un interés personal y comercial, una mezcla de ambos. En la vida real me apasionan sucesos como la desaparición de las abejas en Estados Unidos —en referencia a un artículo aparecido en la prensa americana que ha servido en parte como inspiración al film—, y a nivel cinematográfico me fascina la tensión visual del cine de Hitchcock, por ejemplo».

Sobre la elección del intérprete central, en alguna ocasión previa ha comentado que escribió el libreto específicamente para Wahlberg, uno de los nombres más requeridos y en forma de Hollywood actualmente. A este respecto, ha puntualizado que «escribo diez o doce versiones del guión, y cuando empiezo los personajes son una mezcla de mucha gente, para irse definiendo posteriormente; pero a la mitad, en el quinto o sexto borrador, me di cuenta de que lo realmente importante era la inocencia, y entonces supe que él era la persona ideal». Su compañero ha bromeado comentando que «en realidad, lo que quería era un reflejo de sí mismo, pero no sabe interpretar, así que pensó en mí. Por otro lado, me veo identificado con Elliot —su álter ego en la ficción—, soy un poco contradictorio; la ventaja que tiene trabajar con Night es que transmite una energía muy positiva. Además, mi vida personal es estupenda, me ayuda a focalizar mi trabajo, y se plasma en el resultado final». En este sentido, el cineasta ha especificado que sus filmes son «como una terapia. Pienso cosas que me turban, y redacto sobre ello. En este caso, el hecho de que en nuestra realidad la positividad está desprestigiada, hay que ser muy fuerte para ser inocente. En esta historia, Alma (Zooey Deschanel) evoluciona hacia la inocencia de su marido, y no al revés».

Sus dos anteriores propuestas, “El bosque” (2004) y “La joven del agua” (2006), no contaron con un excesivo apoyo de crítica y público, así que han sido inevitables las referencias a la presión de ponerse de nuevo tras las cámaras. «Lo cierto es que no hay ninguna situación en la que no haya imposiciones por lo que respecta a la taquilla, vaya bien o mal; para mí, mis dos últimas películas son preciosas, de verdad. Lo de las cifras siempre es cuestión compleja, porque a nivel práctico es un tema importante, pero en lo artístico no lo es. Tras “La joven del agua” llegué a la conclusión de que hay que pelear y devolver el golpe, venga éste de donde venga». Y siguiendo con las cuestiones espinosas, ha querido especificar que no ha pretendido dibujar una diatriba sobre el nocivo papel del ser humano en el planeta, como podría deducirse del argumento, aunque «hay que hacer balance, sin duda, pero sin confundirse. Quería un producto de serie B, pero contraté a gente demasiado buena y todo creció. Nuestra misión es entretener, es nuestro trabajo. Subtextos evidentes hay en “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956) o “La noche de los muertos vivientes” (1968); en este caso, hemos buscado divertir con esta cuestión de la amenaza de la vegetación y lo que nos rodea».

Sea como fuere, y a pesar de esta concepción de “El incidente” como vehículo de divertimento comercial, varios países van a estrenar copias censuradas. «La idea es dirigirla a una audiencia de 15 ó 16 años, que se encuentre en la mitad de su adolescencia, son quienes más la van a disfrutar. Pero en Norteamérica va a catalogarse para mayores de 17, y en otros territorios como Inglaterra, Alemania o Australia también van a subir la calificación, tienen ratings más duros. Es curioso ver cómo en algunos lugares no hay problema a la hora de mostrar violencia, pero sí sexo, y cosas por el estilo. Supongo que es una cuestión cultural». Pero lo importante es que tanto él como todo el equipo están satisfechos con el resultado, y esperan que funcione lo mejor posible. «Estoy muy contento con mi labor, al margen de polémicas. Ya me pasó con el plano final del párroco en “Señales” (2002), sabía que a algunos les gustaría y a otros no. Es lo que hay». Wahlberg se ha mostrado de acuerdo, rematando que «el mérito es todo suyo, tiene una gran experiencia y sabe cómo contar lo que quiere contar». Para cerrar su participación, el realizador ha querido incidir en la importancia de respetar nuestro entorno: «mi segundo nombre, Night, proviene de los indios americanos, que adoran la Naturaleza, algo que creo que todos deberíamos hacer, sería muy provechoso. Me lo puse cuando tenía 16 ó 17 años, y mis padres me dijeron que estaba loco». Un apunte personal curioso que ha servido para despedir a la pareja, a la espera de que el público, siempre poseedor de la última palabra, juzgue un film más que recomendable que merece la mejor suerte en el circuito comercial.

En las imágenes: Arriba, a la izquierda, cartel español de “El incidente” © 2008 Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados. En el resto, M. Night Shyamalan y Mark Wahlberg durante el photocall y la rueda de prensa © 2008 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.

El cine nacional sigue en buena forma, al menos en lo que a presentaciones se refiere. Porque si ayer conocimos al equipo de “Casual day”, hoy hemos acudido a charlar con los responsables de “La crisis carnívora”, título que llega a nuestras pantallas el próximo 16 de mayo. Por este motivo ha comparecido ante los medios su director, Pedro Rivero, acompañado de uno de los productores de la película, Pancho Casal, y tres representantes del elenco de actores que prestan sus voces a los cínicos protagonistas de esta fábula peligrosamente cercana a la vida real: Enrique San Francisco, Álex Angulo y Carlos Sobera. Casal ha iniciado la charla haciendo incidencia en que «es la primera producción en flash ─herramienta de trabajo diseñada por Adobe para animar elementos en páginas web─ que se estrena en Europa. Pensamos que es una buena manera de sacar adelante proyectos sin tener que recurrir a inversiones gigantescas; además, se acoge a la Ley del Cine, lo que demuestra que esta norma también apoya el cine independiente». A este respecto, Rivero ha señalado que le resultaba curiosa esta cuestión: «en parte, han apostado por nosotros empresas privadas a través de este fondo de inversión, y sin embargo Televisión Española, un ente público, no ha comprado los derechos de emisión, como sí han hecho los canales autonómicos de Galicia, Cataluña y el País Vasco». En efecto, el film ha sufrido mucho hasta poder ver la luz, y llegará a las salas con alrededor de setenta copias, en buena parte gracias al esfuerzo de Aurum, encargada de su distribución.

El director ha explicado que, en principio, se había pensado en la animación tradicional, pero que cambiaron de opinión «al tratarse de un tema tan agresivo. La financiación iba a ser complicada. Pero por suerte apareció Nikodemo, que por aquel entonces iniciaba las andanzas de Cálico Electrónico. Probamos, y el resultado es obvio, funciona perfectamente en términos estéticos». En cuanto a la técnica empleada, ha explicado que «sobre todo tiene mucho trabajo de preproducción. Se descompone todo en piezas, de manera que tienes un montón de parejas de ojos, bocas, etcétera, que luego puedes usar sin volver a dibujar». En total, el equipo ha necesitado aproximadamente nueve meses de animación, tres de preproducción y mucho trabajo de postproducción y doblaje, con un cómputo final, en tiempo, de dos años de esfuerzo materializados en esta mordaz diatriba sobre el mundo que vivimos. «Al ser una fábula ─ha comentado Rivero─ cualquier lectura puede encajar. Pero para mí hay una relación directa entre el Pacto Vegetariano y la Democracia, en el hecho de que todo el mundo se salta las normas de un gran dogma establecido, cometiendo todo tipo de barbaridades. Eso sí, aquí no hay víctimas inocentes, todos buscan su propio beneficio». En ese momento han tomado la palabra los actores, en gran medida responsables del notable resultado final.

Angulo ha bromeado confesando que «me engañaron, diciéndome que era una película de dibujos, que sólo tenía que poner la voz, y que participaban amigos míos como José Coronado, Pablo Carbonell o Quique San Francisco. Pensé que sería estupendo… pero no ha sido así, ha sido mucho mejor. Toda una experiencia, a decir verdad, he aprendido mucho y me he divertido, aunque es raro trabajar sin ver lo que estás doblando, tú solo, en una pequeña sala, con un micrófono, sin más». San Francisco se ha mostrado convencido de que «era una maniobra para que no nos viéramos. La verdad es que casi no hemos coincidido. Nos aislaron y, claro, tuvo que aguantarme el pobre Pedro, él solo. Hablando en serio, aunque ha sido genial, me ha resultado mucho más difícil de lo que pensaba en principio». Pero todos han apoyado esta propuesta, «primero porque es una gamberrada ─sostenía Angulo─, y segundo porque sabíamos los problemas que estaban teniendo para sacar adelante la historia, y merecen toda nuestra ayuda». Carlos Sobera le ha dado la razón: «es curioso ver cómo hay que recurrir a los dibujos para contar algo transgresor, y se deja la carne y hueso para temas más edulcorados. Hay que estar al lado de estas apuestas innovadoras».

Había curiosidad por conocer la participación de Joaquín Reyes, alma mater de los populares programas televisivos “La hora chanante” y “Muchachada nui”; a este respecto, Rivero ha aclarado que «la suya fue una aportación final. Una vez teníamos listo todo el doblaje, pensamos en él como un plus, a efectos promocionales y de complicidad con el público. Además, grabamos más cosas para un personaje que sólo aparece en la página web». Esta última cuestión ha abierto la puerta a un tema importante: la comercialización de una cinta distinta a todo lo realizado hasta ahora en España. «Una de las grandes ventajas que ofrece esta forma de trabajar ─defendía Pancho Casal─ es que abre la puerta a la pluricomercialización de contenidos a través de otros formatos como móviles, consolas, etcétera, gracias a que, por ejemplo, tiene muy poco peso en megas». Desde luego, es una puerta al futuro de este tipo de propuestas. Porque como ha opinado el director en última instancia, «no creo que esto se quede en una mera anécdota dentro del cine español. De momento lo es, evidentemente, pero ya sé de otros proyectos en marcha. Y en otros países sí que se han producido películas con esta técnica, aunque sólo para su distribución en vídeo. Esperemos que funcione. De momento, no puedo decir más, salvo citar a Bogart, cuando decía que “ni siquiera sabía lo que iba a hacer esta noche”. Así que imagínate hablar de los próximos años».

En las imágenes: Arriba, de izquierda a derecha, Pancho Casal, Álex Angulo, Enrique San Francisco, Pedro Rivero y Carlos Sobera, durante el photocall. En el centro, Álex Angulo, Pedro Rivero y Enrique San Francisco. Abajo, Pedro Rivero y Carlos Sobera, en un momento de la rueda de prensa © 2008 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.

Esta mañana se ha presentado en Madrid “Casual day”, película que llega este viernes a nuestras pantallas y que ha sido dirigida por Max Lemcke, realizador que ha comparecido ante la prensa con buena parte de su reparto: Alberto San Juan, Luis Tosar, Arturo Valls ─con quien ya habíamos coincidido no hace mucho─, Javier Ríos, Juan Diego, Estíbaliz Gabilondo, Secun de la Rosa y Malena Alterio. Ante los muchos medios asistentes, el cineasta ha comentado que no pretendía caricaturizar la realidad: «el guión viene firmado por Pablo y Daniel Remón, con los que llevo colaborando desde hace mucho tiempo. Hay cosas sacadas de la vida real, ideas tomadas de conversaciones escuchadas en bares… y hay, por supuesto, una labor de documentación sobre estas nuevas prácticas que tienen lugar en empresas españolas. A pesar de que todo está bañado de un humor ácido y cáustico, hemos intentado retratar la realidad». Juan Diego, simpático e hiperactivo durante toda la rueda, ha preferido hablar de «arquetipos, más que caricaturas. Son papeles muy reconocibles en cualquier gran compañía». Pero el mundo laboral no sale muy bien parado, a decir verdad. «Bueno, en el trabajo pasamos buena parte de nuestra vida ─ha explicado Lemcke─. La idea era reflejar las tensiones que se producen en ese entorno; pero en el fondo ha sido un pretexto para narrar el patetismo de muchas de nuestras relaciones cotidianas con los más cercanos, en ocasiones grandes desconocidos». De todo ello deriva, inevitablemente, «un desenlace un tanto amargo, que invita a la reflexión».

El veterano Juan Diego ha centrado buena parte del interés de los asistentes, que han querido saber dónde ha buscado la inspiración para interpretar al desalmado José Antonio, el jefe de la empresa: «los guionistas me hablaron de alguien para quien había trabajado su padre tiempo atrás. A pesar de que este tipo no es en absoluto recomendable, he disfrutado enormemente con el papel, con esa sensación de poder. Os recomiendo fervorosamente que os sirváis del poder como ejercicio, es increíble». Lemcke había dirigido con anterioridad una película independiente y casi desconocida, “Mundo fantástico”, por lo que este trabajo puede considerarse, si no una ópera prima, una puesta de largo en toda regla. «Estaba muerto de miedo, la verdad. Pero con estos actores y semejante libreto todo ha sido más sencillo. Un placer, y un gran instrumento de aprendizaje». Ahora bien, ¿qué tienen en común sus dos largometrajes? «Retratan un poco lo que se encuentra detrás del espejo, lo que no se aprecia a simple vista. Es posible que ambos se toquen un poco en los extremos». Sobre la opinión que pueda despertar “Casual day” en el propio mundo que muestra, Juan Diego ha comentado que «gente de la distribuidora ya la ha visto, y curiosamente les ha encantado. Lo supimos en los pases previos, e incluso me lo dijeron personalmente algunos de ellos en el Festival de Tánger».

Javier Ríos, que se mete en la piel de Ruy, novio de la hija de su jefe y por ello acomodaticio y patéticamente servicial, no está en absoluto de acuerdo con la forma de ser de su personaje. Así, ha confesado que «intento no juzgarle, es mi trabajo, pero es un capullo integral. No le aguantaría ni cinco minutos», palabras fervorosas que Lemcke ha matizado explicando que «hablamos mucho de este tema, porque Javier quería darle otra orientación, hacerle más libre, sacarle de ahí y llevarlo a otro sitio. Pero es como es, el guión refleja a la perfección su talante y motivaciones». Juan Diego ha intervenido nuevamente para expresar que «es una metáfora terrible sobre nuestra sociedad, sobre cómo se desperdicia una edad hecha para la rebeldía. El sentido de la propiedad privada ha hecho que la nuestra sea una sociedad de cobardes». Dentro del voraz micromundo empresarial, Alberto San Juan representa la cara amable a través de su rol de psicólogo. «Creo que es una de las estrategias actuales, sobre todo en compañías que tienen en su plantilla a gente joven; mi función es la de poner el toque afable y familiar, el generador del tan manido “buen rollo” que busca que la explotación laboral sea más llevadera». Por último, y dentro de este ambiente de arquetipos y seres encorsetados, el propio cineasta ha cerrado la charla aclarando que, para dirigir filmes, hay que ser «buena gente ─comentario que ha generado carcajadas generalizadas de sus compañeros─. En serio, un director es sencillamente una persona que mira y tiene unas ideas más o menos claras de lo que quiere contar. Pero para poder hacerlo tiene que escuchar a quienes trabajan con él, si no es imposible. Creo sinceramente que es así. Y todos los directores que conozco son buena gente». 

En las imágenes: Arriba de izquierda a derecha, Alberto San Juan, Estíbaliz Gabilondo, Malena Alterio, Javier Ríos, Luis Tosar, Max Lemcke, Juan Diego, Secun de la Rosa y Arturo Valls, en un momento del photocall. Abajo, Juan Diego, Max Lemcke y Alberto San Juan, durante la rueda de prensa - Copyright © 2008 LaButaca.net. Fotos por Ralf Pascual. Todos los derechos reservados.